JUAN MOREIRA
LEONARDO FAVIO

A fines de siglo XIX, Juan Moreira es un gaucho bueno y trabajador, que, como tantos gauchos, es objeto de abusos y humillaciones por parte de los poderosos. Ello lleva a que Moreira se transforme en un "gaucho malo" y enfrentarse a la policía, pero respetado por el pueblo.

 

 

 

 

 

 

LA MARY

La Mary es una atractiva chica de barrio que conoce a un joven apuesto y vigoroso con el que se casa. Entran en colisión, entonces, sus tabúes, prejuicios, un deseo sexual desenfrenado y una incipiente locura que hará desembocar la historia en un terrible crimen pasional.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

LA HORA DEL LOBO

Un artista en crisis, atrapado por las pesadillas de su pasado, le cuenta a su mujer sus memorias más dolorosas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

NO HABRA MAS PENAS NI OLVIDO

La película transcurre en un pequeño pueblo, en el que se enfrentan dos fracciones del peronismo: la que representa al intendente y la corporizada en la figura del delegado municipal.

 

 

 

 

 

 

 

 

SARABAND

 

 

 

 

 

 

SOÑAR, SOÑAR

Dirección: Leonardo Favio
Guión: Leonardo Favio y Jorge Zuhair Jury
Año: 1976
Intérpretes: Carlos Monzón, Gianfranco Pagliaro, Nora Cullen, Juan Alighieri, Ramón Itatí Pintos, Pancho Giménez, Alfonso Candiani

Mario, "el Rulo", es un trotamundos que viaja por el interior ofreciendo números artísticos. Un día pasa por el pueblo donde vive Carlos, un empleado municipal que sueña con ser artista. Nace entre los dos una amistad, y Carlos abandona todo para seguir a Mario. Juntos intentarán hacerse famosos en Buenos Aires.

 

 

 

EL EVANGELIO SEGUN SAN MATEO

 

 

 

 

LA INFANCIA DE IVAN

• Titulo Original : Ivanovo detstvo
• Año: 1962
• Director: Andrei Tarkovski
• Duración: 95 min
• Guión: Vladimir Bogomolov & Mikhail Papava
• Música: Vyacheslav Ovchinnikov
• Fotografía: Vadim Yusof
• Reparto: Nikolai Burlyayev, Valentin Zubkov, Yevgeni Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko, Valentina Malyavina

 

El primer filme de Tarkovsky narra cómo Iván, un niño ruso de fuertes convicciones, se embarca en una complicada misión contra los nazis. Como todos las obras del director ruso, es un relato complejo y visualmente fascinante, pero uno no puede dejar de sentir ciertas reservas ante la artificiosidad de la narración, palpable tanto en el formalismo "de vanguardia" como en las pretensiones del mensaje. Escenas como la de Iván corriendo por el agua resultan, no obstante, estremecedoras.

 

 

 

LA MUJER EN LA LUNA

Título: La mujer en la luna (Die frau im Mond)

Dirección: Fritz Lang

Guión: Fritz Lang, Thea von Harbou

País: Alemania

Año: 1928

Duración: 162 min.

Alemania, década del 20. El poderoso industrial aeronáutico Wolf Helius comienza a desarrollar en secreto una misión para viajar a la Luna, basándose en los estudios del profesor Georg Manfeldt y sus teorías acerca de la existencia de oro en el satélite. Pero el magnate Walter Turner está al tanto del proyecto de Helius y lo chantajea para que le permita sumarse a la expedición. Por si esto fuera poco, el socio de Helius - Hans Windegger -

 

 

BLOW UP

Director: Michelangelo Antonioni.

Guión: Michelangelo Antonioni y Tonino Guerra, basado en un cuento de Julio Cortázar.

Intérpretes: David Hemmings, Sarah Miles, Vanessa Redgrave, John Castle, Jane Birkin, Veruschka Von Lenhdorff, Peter Bowles.

Música: Herbie Hancock.

Fotografía: Carlo Di Palma.

Año: 1966

Duraciòn: 109 minutos.

 

 

2001 Odisea al espacio

Año: 1968
Director: Stanley Kubrick
Guión: Stanley Kubrick, Arthur Clarke

La historia de la humanidad, en diversos estadios del pasado y del futuro, es narrada en la película de ciencia-ficción de culto por excelencia de la historia del cine. Hace millones de años, en los albores del nacimiento del homo sapiens, unos simios descubren un monolito que les lleva a un estadio de inteligencia superior. Otro monolito vuelve a aparecer, millones de años después, enterrado en una luna, lo que provoca el interés de los científicos humanos. Por último, HAL 9000, una máquina de inteligencia artificial, es la encargada de todos los sistemas de una nave espacial tripulada durante una misión de la NASA.

 

 

 

 

 

Año:1984 (Francia, Alemania)
Director: Wim Wenders
Artistas:Harry Dean Stanton, Natassja Kinski, Dean Stockwell

La acción empieza cerca de la frontera mejicana, en Texas. En medio de ninguna parte, un hombre aparece en el desierto. Ha cruzado la frontera ilegalmente y después de llevar días caminando se desploma al llegar al primer núcleo urbano.
Este hombre ha empezado una exhaustiva búsqueda de su esposa e hijo.

 

 

 

 

 

 

 

Año:1930
Duracion: 55min
Director: Jean Cocteau
Titulo original: Le Sang d´un poete
Pais: Francia

Experimental y surrealista ópera prima de Jean Cocteau. Poeta, escritor de novelas y de teatro, Cocteau se sintió atraído por el cine de vanguardia, y el mecenas Vizconde de Noailles le financió esta primera obra. Aclamada por parte de la crítica, pero también tachada de pretenciosa y egocéntrica, retrata una personal incursión en los miedos y obsesiones de un poeta, su relación con el mundo que le rodea y la eterna preocupación por el tema de la muerte.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Título Original: Det Sjunde Inseglet
Año: 1957
Director: Ingmar Bergman

La peste negra asola Europa. El caballero sueco Antonius Blovk y su leal escudero regresan a su país, tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas por Tierra Santa. Vuelve como un hombre atormentado y lleno de dudas, y la Muerte se presenta reclamándolo. Con la esperanza de obtener algunos conocimientos antes de morir, el caballero reta a la Muerte a una partida de ajedrez. El hombre busca respuestas a las preguntas claves de la vida, la muerte y la existencia de Dios durante una partida de ajedrez.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Titulo original: Belle du Jour
Pais: Francia
Director: Luis Buñuel
Año: 1967
Duracion: 100 min.
Fotografia: Sacha Vierny
Reparto: Catherine Deneuve, Jean Sorel, Michel Piccoli, Francisco Rabal, Pierre Clementi, Macha Merli, Francoise Fabian, Maria Latour

 

Sévérine, una joven casada con un atractivo cirujano, descubre la existencia de la prostitución matutina. Curiosa, Sévérine ingresa a la casa de citas de Anaïs y termina acostumbrándose a una doble vida. La aparición de Marcel, un delincuente que se enamora de Sévérine, complicará la cómoda situación de la protagonista.

 

 

 

 

 

 

 

 

Título Original: I Vitelloni
Duración: 102 min.
Filmada en: Blanco y Negro
Subtitulada: Subtitulada
Género: Drama
Direccion: Federico Fellini
Año: 1953
Pais: Italia
Actores: Alberto Sordi, Franco Fabrizi, Leonora Ruffo

Moraldo, Riccardo, Fausto, Alberto y Leopoldo son cinco jóvenes amigos que en la pequeña ciudad de Rímini pasan sus días en el bar, hablando de mujeres, jugando al billar y soñando proyectos irrealizables. Con el tiempo, uno de ellos se verá obligado a casarse y estará a punto de arruinar su matrimonio. Los otros continuarán con sus vidas inútiles y su ingenua despreocupación. Salvo Moraldo, que una mañana parte de Rímini a la capital, dejando atrás para siempre la vida provinciana…

 

 

 

 

 

 

 

Año: 1972
Nacionalidad: Suecia
Duracion: 91 minutos
Director: Ingmar Bergman
Actores: Harriet Anderson, Kari Slywan, Ingrid Thulin, Liv Ullmann, Anders Ek, Inga Gill, Erñand Josephson, Henning Moritzen, Georg Arlin, Lena Bergman, Lars-Owe Carlberg, Monika Priede, Ann-Christin Lobraten, Anders Ek, Inga Gill, Kari Slywan
Productor: Lars-Owe Carlberg
Guión: Ingmar Bergman
Fotografía: Sven Nykvist
Música: Johan Sebastian Bach, Frederic Chopin

Tres hermanas, Karin, María y Agnes se citan en la vieja mansión familiar tras ser avisadas por el médico de la próxima muerte de la tercera de ellas como consecuencia del cáncer de matriz que padece. Ahora, que parte de la familia se encuentra reunida en la casa que las vio crecer, comienzan a recordar todo lo que han hecho y todo lo que ha pasado en sus respectivas vidas. Mientras, la enferma entra en estado agónico y desvela entre confesiones la parte oscura de cuanto la rodeó. Agnes agoniza recordando a su madre y su envidia de niña adolescente, respecto a la hermana menor. Su vida estuvo siempre marcada por la enfermedad. No hubo un hombre en ella y sí en la de sus hermanas y, quizás por ello, su concepto de la felicidad fue sencillo e inalcanzable en plenitud. Karin es una mujer resentida que odia a todo el mundo, comenzando por sí misma, que piensa que la vida es solamente un tejido de mentiras, y que se atormenta recordando aspectos de su existencia conyugal, marcada por el rechazo, por el aborrecimiento físico y espiritual que experimentaba y experimenta hacia su marido, mucho mayor que ella, y que la impulsó, tiempo atrás, a herirse en sus partes íntimas para despertar en su esposo, una repulsión semejante a la suya. María, por el contrario, es un ser primario, más abierto, que solo piensa en su placer por encima de cualquier otra consideración. Y luego Anna, la criada, estrechamente ligada a su ama enferma, como su único consuelo, desempeñando siempre un papel de espectadora frente a unas jovencitas, luego mujeres, de su misma edad, sobrepasada la treintena. Recuerdos, diálogos, gritos de la agonizante y susurros de las que la velan. El tema de la muerte, a través de los gritos y susurros de cuatro mujeres muy diferentes.

 

 

Titulo original: Il desserto rosso
Año: 1964
Duración: 117 min
Director: Michelangelo Antonioni
Guion: Tonino Guerra & Michelangelo Antonioni
Musica: Giovani Fusco
Fotografia: Carlo Di Palma
Reparto: Monica Vitti, Richard Harris, Carlo Chionetti, Xenia Valderi, Aldo Grotti, Rita Renoir

Después de sufrir un grave accidente de coche, una mujer comienza a percibir la ciudad en que vive, Rávena, como un desierto tanto en el plano físico como en el de las relaciones entre personas. Las secuelas psicológicas le impiden llevar una vida normal y relacionarse con la gente que le rodea.

 

 

 

 

Director: Andréi Tarkovsky
Origen: Unión Soviética
Color: Blanco y Negro y Color
Director de fotografía: Guéorgui Rerberg
Año: 1974
Nombre original: Zerkalo

Poética o cinematográficamente hablando (aquí poesía y cine son sinónimos), este film de Andréi Tarkovsky, nos habla del pasado de la nueva Rusia a través de la vivencia de un padre joven que va a morir. Igualmente la película tiene como eje a la joven Natalia con su hijo y simultáneamente a la madre del padre cuyo espejo vuelve a duplicarse en las jóvenes generaciones que no tardan en cargar con el pasado. Poéticamente, las imágenes del presente, crean pasajes en el tiempo, del presente al pasado y del color hacia el blanco y negro. Fotografía exquisita de paisajes, rostros, actitudes, memoria y bosque melancólico, se suceden en escenas que recorren el pasado y el presente del padre, la madre, Natalia, sus dos "yo", siempre abandonados por la figura masculina. La cámara captura objetos, rincones, telas, rostros, pastizales todo con una exquisita belleza fotográfica que encara con profundidad los interiores del pasado, de las casas y de los individuos que forman parte de esta -psicoanalítica- tal vez saga de un personaje que vive los últimos momentos de su vida y de una parte de la Rusia, que padeció,en este último siglo, una cruel segunda guerra mundial que dejó secuelas psicológicas y espirituales muy marcadas. La fotografía revela todo este paisaje interior. Con unos toques surrealistas (la mujer levitando sobre la cama), Tarkovsky mezcla las épocas, los actores que encarnan personajes que se desdoblan. Los colores de la película son los que van componiendo el rompecabezas de esta historia y crean la dulce y atroz saudade en que está envuelto el siglo XX.

 

 

Realizador: Luis Buñuel
Año: 1950
País: México
Guión: Luis Buñuel. Luis Alcoriza
Fotografía: Gabriel Figueroa
Duración: 80'
Escenografía: Edward Fitzgerald

Los olvidados es una desértica mirada sobre el mundo que vive una juventud desposeída, cuyas únicas alternativas son la delincuencia y la marginación.
Historia que si bien fue contada por Buñuel en 1950, hoy más que nunca continúa teniendo vigencia. Luis Buñuel ha sido, sin lugar a dudas, el realizador más importante del cine de habla hispana. Su trayectoria artística —32 películas filmadas en cincuenta años de carrera— es una de las más importantes y prolíficas de la cinematografía mundial. Los olvidados es considerada la película que volvió a colocar a Buñuel en la escena internacional, luego de que su impresionante debut fue seguido por dos décadas de relativa obscuridad.
Los olvidados es, por su temática y por la naturalidad de sus actores, una película engañosamente realista. Filmada durante el apogeo de la corriente neorrealista —que propugnaba por un cine casi documental en el que los actores fuesen gente común y los escenarios fueran reales— Los olvidados fue tomada equivocadamente como una cinta semejante a Roma, ciudad abierta (1945) de Roberto Rossellini o Ladrones de bicicletas (1947) de Vittorio de Sica.
Sin embargo, el filme de Buñuel mantiene muchos de los elementos que lo convirtieron en el cineasta surrealista por excelencia. Los olvidados es un filme acerca de la fatalidad del destino. Es una película sobre lo absurdo e irracional de la vida misma. Los deseos ocultos, los sueños y las pasiones son los elementos que mantienen vivos a los personajes del filme.

 

Título Original: Una giornata particolare
Duración: 101 min.
Filmada en: Color
Subtitulada: Subtitulada
Dirección: Ettore Scola
Año: 1982
Elenco: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Francoise Berd, Patrizia Basso

Durante la histórica visita que Adolf Hitler hiciera a Roma, para sellar su amistad con Benito Mussolini, Antonietta, un ama de casa cansada de su pesado trabajo rutinario, conoce a su vecino Gabrielle. Él es un locutor homosexual, perseguido por los militantes fascistas y a punto de ser deportado. Mientras afuera los fastos de la historia conducen a Italia a un callejón sin salida, estos personajes comunes, abrumados por el peso de la realidad, viven su pequeña, desesperanzada historia de amor...

 

 

Título Original: La haine
Director: Mathieu Kassovitz
Año: 1994
País: Francia
Musica: Assassin
Fotografia: Pierre Aïm
Guión: Mathieu Kassovitz

"Un tipo está cayendo desde una azotea y piensa: - Por ahora todo va bien... por ahora todo va bien...- Pero tarde o temprano alcanzará el suelo, y eso es lo peor" Con esta frase comienza y termina esta película. Nos cuenta un día en la vida de tres amigos adolescentes que viven en un barrio marginal de la periferia parisina, durante los importantes disturbios sociales que se dieron a comienzos de los 90. Said es de origen marroquí, Vincent, judío y Hubert, africano ; los tres son franceses, intentan sobrevivir, cada uno a su manera, en el infierno cotidiano del suburbio parisino. Said pasa de todo, se dedica a sus trapicheos, Vincent está lleno de odio: quiere vengar la muerte de un magrebí del barrio asesinado por la policía y Hubert está harto de todo esto, quiere huir de ahí, de la violencia y del odio cotidiano en los que ha crecido. Los tres son muy diferentes, pero inseparables, y esta tarde deciden darse un garbeo por el centro de París.

 

 

 

Dirección y Guión: Ingmar Bergman
Fotografía: Sven Nykvist
Música: Lars-Johann Werle
Actores principales:
Bibi Andersson, Liv Ullmann, Gunnar Björnstrand

 

Elisabeth (Liv Ullmann), una célebre actriz teatral, está hospitalizada tras haber perdido la voz durante una representación de Electra. Una doctora (Margaretha Krook) la somete a toda una serie de pruebas, y afirma que está sana y bien, pero ella sigue sin hablar y permanece en el pabellón. Alma (Bibi Andersson), la enfermera encargada de cuidarla, intenta establecer una relación con ella y se dedica a hablarle. Paciente y enfermera se trasladan a la casita de verano de la doctora, al lado del mar y Elisabeth va recuperando poco a poco la salud, pero sigue sin hablar. El silencio de una, lo suple la otra hablando sin parar. Alma le acaba confesando a Elisabeth sus sentimientos y recuerdos más íntimos. Entre ambas mujeres se va creando una simbiosis cada vez más intensa e inquietante.

 

 

Basada en la novela de culto de los hermanos Strugatski, Stalker, segunda incursión en la ciencia ficción de Andrei Tarkovsky.
El prólogo del filme nos situa en un escenario post-nuclear, desolador y apocalíptico. Un paisaje hostil fotografíado mediante filtros de color sépia que confieren a las imágenes un monocromatismo cercano al blanco y negro.
La película toma como marco argumental el viaje de tres personajes a la Zona. Un viaje con fuertes connotaciones homéricas que, a partir de un esquema narrativo propio del cine de aventuras, se desarrollará durante la parte central y más extensa del film, permitiendo a Tarkovsky escenificar el conflicto expresado por las tres visiones del mundo, diametralmente opuestas, de sus protagonistas; un conflicto de raiz filosófico-religiosa que se verá reforzado por un tratamiento de la luz casi expresionista.
Del mismo modo que sucedía en Solaris con el océano, en Stalker el elemento fantástico está directamente relacionado con la Zona. Ámbos organismos funcionan como representación de lo otro, de lo desconocido; entes dinámicos que reciben y transforman según sus propias reglas. Pero, pese a eso, el catalizador último de su respuesta es siempre el hombre y es precisamente esa concepción humanista la que convierte a los dos lugares en mundos paralelos al nuestro.
El carácter mutable de la Zona es potenciado por una iluminación siempre cambiante que modifica, a cada instante, nuestra percepción del color y la materia. La fotografía acuosa, de bajo contraste, y el sentido pictórico de Tarkovsky destacan a la hora de componer planos de una fisicidad abrumadora y poseedores de un magnetismo altamente expresivo que transportan al espectador a una dimensión donde las texturas palpitan bajo el rumor de la naturaleza.

La música de Eduard Artemiev se fusionará con los ruidos del film creando una banda sonora hipnótica y perturbadora que acentúa la belleza enigmática de unas imágenes que jamás traicionan el misterio último de aquello filmado.
En un marco totalitario y aniquilador como el que presenta film la Zona constituye un valor peligroso ya que es un territorio donde la fe, entendida como elemento subversivo y liberador, es todavía posible. El verdadero drama de Stalker no es pues que ya nadie crea en la Zona sino que nadie la necesite.
Mediante un trabajo de puesta en escena verdaderamente singular que se beneficia de la toma larga, del tempo pausado y de la lentitud, exhaustiva y elegíaca, de los movimientos de cámara Tarkovsky compone un lamento sobre la pérdida de la inocencia del hombre y sobre su declive moral en un mundo que ha anulado su potencial espiritual. Ante este abismo la única esperanza permanecerá en la capacidad de sacrificio expresada por el amor incondicional de la esposa y el conocimiento sobrenatural de la hija.